So erstellen Sie einen Bumpin' Electronic Track: Einführung in die Musikproduktion für FL Studio - Gunook

2025 Autor: John Day | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2025-01-13 06:56

Willkommen

Diese Anleitung hilft Anfängern und Fortgeschrittenen bei der Verwendung von FL Studio, um verschiedene Genres der elektronischen Tanzmusik zu erstellen. Es wird durch die grundlegenden Elemente der Erstellung eines Songs gehen, mit dem Ziel, grundlegende Tipps und Tricks zu erläutern, die neue Produzenten nützlich finden, um mit der einschüchternden Benutzeroberfläche von FL Studio neue Wege zu gehen.

Obwohl nicht alle Aspekte der Musikproduktion behandelt werden, werden einige der wichtigsten Themen vorgestellt. Auch fortgeschrittene Produzenten profitieren von einer Erklärung des kreativen Prozesses sowie von Mix- und Synthesetipps.

Was du brauchst:

· FL Studio 10 oder neuere Version

· Software-Synthesizer (Massiv, Serum, etc.)

· Ausdauer

Glossar

• Workflow – tatsächliche Abfolge von Ereignissen der Song-Erstellung; sich wiederholender Prozess zum Erstellen von Mustern, Songstruktur und Mischen
• Loop – immer wieder abgespielte Soundsequenz, könnte auf eine kreative Entscheidung innerhalb des Tracks oder eines Quell-Samples hinweisen
• Mix – die Art und Weise, wie Klänge miteinander interagieren; Mischen ist der Prozess der Anpassung von Schallpegeln und Frequenzen, um das Hören zu erleichtern. Vergleichbar mit der Art und Weise, wie verschiedene Farben auf einer Leinwand übergehen und miteinander verschmelzen
• Wrapper – das Fenster, in dem FL Studio verschiedene Plugins öffnet
• Riser – Ein einzelner oder geschichteter Sound wie ein Lead oder „Sweep“, der langsam in Tonhöhe oder Lautstärke ansteigt, um einen Aufbaueffekt zu erzeugen. Downsweep – Ein Übergangswerkzeug, das im Wesentlichen das Gegenteil eines Risers ist

(Bildquelle:

Schritt 1: Vor Beginn des Songs

Notiz:

Viele Produzenten finden es hilfreich, einige Planungen vorzunehmen, bevor sie tatsächlich Sounds erstellen. Wenn Sie sich wohl fühlen, direkt in die Spur zu springen, dann machen Sie es auf jeden Fall. Denken Sie auch daran, dass es KEINE Regeln gibt, wenn es um Tempo oder kreative Entscheidungen für die Musikproduktion geht.

Wählen Sie zunächst ein Tempo aus, das zu Ihrem bevorzugten Musikgenre passt. Abhängig von Ihrem kreativen Workflow kann dies der Punkt sein, an dem Sie entscheiden, welches Genre und Subgenre der Song sein soll. In diesem Tutorial werden technische Schritte zum Erreichen bestimmter Sounds behandelt, sie können jedoch auf viele andere Genres angewendet werden.

Notiz:

Bevor Sie weitere Sounds erstellen, ist es wichtig, Ihr Projekt so zu organisieren, dass es leicht ist, jedes Sample und seinen Platz im Mixer zu finden.

Organisation

Stellen Sie sicher, dass jeder neue Sound oder Synthesizer seinen eigenen Namen, Playlist-Track und Mixer-Kanal hat, die alle umbenannt und farblich gekennzeichnet werden können!

Benennen Sie Ihre Muster aussagekräftig, damit Sie sie nicht durchsuchen müssen

Wenn Sie mit der rechten Maustaste auf das Element klicken, dessen Eigenschaften Sie ändern möchten, können Sie „Umbenennen/Farbe“auswählen

Klicken Sie auf den Synthesizer oder Sampler und klicken Sie auf den oberen linken Pfeil des Wrappers, dann wählen Sie „Free Mixer Track“, der den Synthesizer dem nächsten offenen Mixer-Kanal zuweist. Der Mixerkanal kann aus organisatorischen Gründen auch umbenannt und eingefärbt werden

Sie können Ihr gesamtes Projekt auch als neue Vorlage speichern, damit Sie dies nicht jedes Mal tun müssen. Klicken Sie oben links in FL Studio auf Datei -> Als Vorlage speichern.

Schritt 2: Beginnen des Songs

Notiz:

Manche Leute erstellen gerne zuerst Drumloops, aber es ist oft hilfreich, dies im kreativen Prozess weiter voranzutreiben, um Perfektionismus zu vermeiden, der von den ultimativen Zielen des Songs ablenkt, nämlich Musikalität und Zusammenhalt. Oft hören Produzenten dieselben Drum- und Melodie-Loops wiederholt an und passen Effekte und Equalizer an, um den „perfekten“Mix zu erhalten. Im Moment ist es das Wichtigste, so viele Ideen wie möglich auf den Tisch zu bringen. Effekte und Entzerrung werden in einem späteren Abschnitt behandelt.

Probenahme

Es gibt mehrere Möglichkeiten, einen Song zu beginnen, aber eine der beliebtesten Methoden ist das Sampling. Online finden Sie eine Fülle von früheren Werken und Soundbites, die melodisch ein starkes Fundament bieten.*

1. Sobald Sie ein geeignetes Sample gefunden haben, ziehen Sie die.mp3- oder.wav-Datei in das "Kanal-Rack". Es ist hilfreich zu wissen, in welcher Tonart und in welchem Tempo sich das Original-Sample befindet, damit Tonhöhe und Time-Stretching an das gewählte Tempo angepasst werden können. Passen Sie den "time"-Regler so an, dass Ihr Tempo dem Tempo des Originalclips entspricht, der oben links angezeigt wird.
2. Ein großartiges Plugin, um den Schlüssel eines Samples zu bestimmen, ist „GTune“(Abbildung 1). Öffnen Sie dieses Plugin auf der "Master"-Mixerspur. Spielen Sie das Sample ab, während Sie sich die Benutzeroberfläche von GTune ansehen, und es wird Ihnen sagen, welche Noten das Sample enthält!
3. Ziehen Sie den Clip aus dem Sampler in die Playlist und passen Sie die Tonhöhe an, bis Sie die gewünschte Tonart erreicht haben. Sie können den Time-Stretching-Algorithmus für unterschiedliche Effekte anpassen. Hilfreich ist es, auf den Magneten oben links in der Playlist zu klicken und „keine“auszuwählen. Dieses Sample bildet die Grundlage für Ihre Melodie- und Songstruktur. Stellen Sie sicher, dass Sie das Einrasten auf "Zelle" wieder aktivieren, sobald Sie bereit sind, Muster in der Wiedergabeliste zu platzieren!

Schritt 3: Streckenlayout

Notiz:

Das eigentliche Intro vieler elektronischer Musik ist meist von Drumloops und Soundeffekten geprägt, die immer komplexer werden, bis ein melodischer „Breakdown“eingeleitet wird. In diesem Abschnitt haben Sie die größte Flexibilität in Bezug auf die Länge. Es ist jedoch wichtig, nicht direkt in das „Fleisch und Kartoffeln“des Songs zu springen, besonders wenn Ihr Ziel kommerzieller Erfolg ist.

Songstruktur

1. Einführung
2. Abbauen
3. Aufbauen
4. Tropfen
5. (Wiederholung 2-4)

Es ist wichtig, mit Risern, Downsweeps und Schlagzeug reibungslos zwischen diesen Abschnitten des Songs zu wechseln. Je nachdem, wie energisch Ihr Song sein soll, kann der gesamte Breakdown ein Aufbau bis zum Drop sein. Viele Künstler finden jedoch, dass ein langsamer oder einfacher Breakdown Raum für einen ansonsten komplizierten Track bietet. Häufige Themen in einem Breakdown sind Klavierakkorde, „mutige“Synths und Gesangssamples.

Schritt 4: Aufbau eines Fundaments

Grundmelodie

Öffnen Sie einen Synthesizer wie Sylenth1, Serum oder Massive und wählen Sie ein einfaches Preset wie Piano oder Brass, um das Hören zu erleichtern. Für progressivere und längere Songs ist es wünschenswert, eine Melodie mit mindestens 8-16 Takten zu erstellen, damit sie nicht zu repetitiv wird. Für energiegeladenere Songs könnte eine 4-Takt-Melodie, die durchgehend variiert, ausreichen, wenn andere Klänge variiert werden

Klicken Sie auf Ihren Synthesizer und öffnen Sie die Notenrolle. Sie können Notizen entweder mit dem Stiftwerkzeug platzieren, um Notizen einzeln zu platzieren, oder mit dem Pinselwerkzeug, um mehrere Notizen in einer Reihe anzuklicken und zu ziehen. Es kann hilfreich sein, das Sample beim Erstellen Ihrer Melodie abzuspielen, um sicherzustellen, dass sie im Takt und in der Tonart bleiben

Sobald Sie eine Melodie haben, können Sie mit der Erstellung des Synthesizer-„Patches“oder der Charakterisierung und Klangfarbe des Sounds beginnen

Melodie Tipps & Tricks

Wenn Sie die Melodie kopieren und eine Oktave nach oben oder unten verschieben, erhalten Sie einen „Akkord“-Effekt – der schnellste Weg, dies zu tun, ist Strg+A, dann Strg+C, dann Strg+V und schließlich Strg+Shift+Up oder Down Pfeil. (Strg+Pfeil nach oben oder unten verschiebt die ausgewählten Noten um einen Halbton)

House-Musik ist äußerst vielfältig und daher können Melodien sehr einfach oder sehr komplex sein. Versuchen Sie, zwei verschiedene Melodien mit verschiedenen Synth-Sounds in Tonart zu kombinieren, um eine dynamische Progression zu erzielen

Einige Synthesizer verfügen über eine „Legato“-Funktion, die zur nächsten Note „schwingt“, wenn sie ausgelöst wird, bevor die nächste endet. Aktivieren Sie diese Funktion an Ihrem Synthesizer und verlängern Sie die Noten, auf die Sie diesen Effekt wünschen, bis sie nach Beginn der nächsten Note enden

Hier ist ein Beispiel für 3-lagige Melodien und wie sie leicht in einen melodischen House-Song passen!

Schritt 5: Synthese

Notiz:

Serum und Sylenth1 sind zwei leistungsstarke und erschwingliche Plugins, die mit einem Zahlungsplan von 10-13 US-Dollar pro Monat erworben werden können. Es ist jedoch nicht erforderlich, Synthesizer zu kaufen, da einige der einfachsten kostenlosen Plugins von FL Studio extrem leistungsstark sind. Während dieses Instructable Sylenth1 zeigt, können Tipps auf jeden Synthesizer angewendet werden.

Führt

Ihr Song wird wahrscheinlich mehrere Arten von „Leads“enthalten, die als höherfrequente Melodieinstrumente definiert werden, die aus einer oder mehreren Instanzen verschiedener Wellenformen synthetisiert werden, von denen die grundlegendsten Sinus-, Sägezahn-, Rechteck- und Dreieckswellen sind. Die Synthese ist ein fortgeschrittener Prozess, daher wird empfohlen, dass Sie die Bedienungsanleitung lesen oder sich mit Ihrem gewählten Synthesizer etwas vertraut machen, um Ihren eigenen Lead zu erstellen. (Wenn Sie ein Anfänger sind, können Sie zunächst die vorgefertigten Sounds verwenden, die mit dem Synthesizer geliefert werden, indem Sie auf den weißen Pfeil in der oberen linken Ecke des Wrappers drücken.)

Super-Säge-Blei

Öffnen Sie Ihr gewähltes Programm und wählen Sie das Initial- oder „Init“-Preset

Es gibt vier „Oszillatoren“, im Wesentlichen Maschinen, die bestimmte Wellenformen sehr schnell wiederholen. In Sylenth1 können Sie aus einer Vielzahl von Wellenformen wählen, jede mit ihrem eigenen Sound. Das Einschalten mehrerer Oszillatoren mit unterschiedlichen Wellenformen kann einige coole Klangkombinationen erzeugen. Eine nützliche Funktion ist das „Voicing“, das weitere Instanzen der Wellenform erzeugt, die alle gleichzeitig abgespielt werden können.

Drehen Sie den Lautstärkeregler eines der Oszillatoren ganz auf und stellen Sie sicher, dass er auf eine Sägewelle eingestellt ist

Drehen Sie die Stimmen eines Oszillators auf 8 und drehen Sie den „Detune“-Regler auf etwa 1/3 des Maximums

Wenn der resultierende Sound zu „körnig“ist, drehen Sie die Tonhöhe am Oszillator-Interface um eine Oktave nach oben. Sie haben jetzt ein einfaches Supersaw-Lead!

Drehen Sie den "R"-Schieberegler auf, wo "Amp Env" steht

Dies fügt dem Lead ein "Release" hinzu, oder eine kurze Zeit nach dem Aufhören einer Note, die der Lead weiter spielt und verstummt. Release ist nützlich, um natürlicher und weniger abrupt zu klingen. Der nächste Schritt besteht nun darin, dieser Lead einige Effekte zu verleihen, damit sie weniger „roh“oder „trocken“klingt.

Drücken Sie das Kästchen neben "Reverb" und "Delay". Die Einstellungen dieser Effekte werden in dieser Anleitung nicht untersucht, aber es ist einfach, mit den Einstellungen zu spielen, um Ihren gewünschten Sound zu erreichen

Schritt 6: Mischen

Weisen Sie Ihren Synthesizer, falls noch nicht geschehen, einer freien Mixerspur zu. Im Idealfall hat jeder Sound in Ihrem Song eine eigene Mixerspur, sodass Sie die Lautstärke leicht anpassen können. Mixing ist ein kompliziertes Thema, aber seine wesentliche Funktion besteht darin, sicherzustellen, dass die Sounds in einem Song gut ineinandergreifen.

Jedes Lied besteht aus Frequenzen von 20 Hz bis 20 kHz, dem effektiven Bereich des menschlichen Gehörs. Dieser Bereich kann in Subbass (20-80 Hz), Bass (ca. 80-160 Hz), Midrange (160-3000 Hz) und hohe Frequenzen (3000-20000 Hz) unterteilt werden.

Die wichtigsten Werkzeuge, um sicherzustellen, dass jeder Frequenzbereich die richtige Lautstärke hat, sind Lautstärkeregelung und Entzerrung. Verschiedene Instrumente belegen unterschiedliche Frequenzbereiche und müssen daher individuell und eindeutig auf die von Ihnen gewählte Kombination eingestellt werden

Es gibt keine Regeln, die genau regeln, wie jedes Mal gemischt wird. Eine gute Faustregel lautet: Wenn etwas gut klingt, dann benutze es! Das einzige Problem dabei ist, dass Ihr Gehör als angehender Produzent ungeschult ist und Sie möglicherweise nicht in der Lage sind, zu erkennen, was objektiv gut klingt

Notiz:

Der Mischprozess kann wie eine Leinwand für ein Gemälde analogisiert werden. Die verschiedenen Lackfarben sind deine Instrumente, und die Pinselstriche sind deine Anordnung dieser Instrumente. Wenn ein Maler einfach mehrere Farben übereinander legen würde, wäre die resultierende Farbe intuitiv etwas anders als die Originalfarben und würde überhaupt nicht gut aussehen! Das gleiche Konzept gilt für Ihre Instrumente und deren Frequenzen. Wenn zwei Instrumente die gleiche Frequenz belegen, stören sie sich gegenseitig und klingen überhaupt nicht gut. Wenn die kombinierte Gesamtlautstärke null Dezibel überschreitet, "clippen" die Instrumente oder werden verzerrt. Es ist wichtig, unbeabsichtigtes Clipping zu vermeiden. Hier kommen Entzerrung und Lautstärkeregelung ins Spiel.

Ausgleich

Öffnen Sie zunächst den Mixer und wählen Sie die Spur aus, mit der der Synthesizer verknüpft ist. Klicken Sie auf einen der Pfeile und wählen Sie „Fruity Parametric EQ 2“. Sie können nun die Lautstärke des gesamten Frequenzbereichs einstellen. Generell ist es besser, Frequenzen abzusenken oder zu „absenken“, als sie anzuheben, um Clipping zu vermeiden. Hier sind einige allgemeine Richtlinien für die Entzerrung verschiedener Instrumente.

Leads – Schneiden Sie das untere Ende drastisch ab, etwa 200-300 Hz, um Kollisionen mit Schlagzeug und Bässen zu vermeiden. Wenn mehrere Leads gleichzeitig gespielt werden, versuchen Sie, die mittleren Frequenzen jedes Sounds abzusenken, die den Charakter des Leads am wenigsten beeinflussen. Erhöhen Sie leicht um 10 kHz, wenn ein „rauschender“oder „swishy“-Effekt gewünscht wird

Bass – Unter 20-30 Hz reduzieren, um unhörbare Frequenzen zu eliminieren, die das Schlagzeug stören; Dieser Schritt ist nicht unbedingt erforderlich, aber für sehr große Lautsprecher wie Clubs und Konzerte erforderlich. Von 40-160 Hz leicht anheben und über 300 Hz moderat absenken

Kick – Die Entzerrung eines Kicks ist hauptsächlich eine kreative Entscheidung, die von der Tonalität des Samples abhängt. Stellen Sie sicher, dass Ihr Kick angehoben ist oder um 60-200 Hz liegt, was nicht wesentlich mit dem Bass kollidieren sollte, da Sie sie im Allgemeinen nicht genau gleichzeitig spielen. Schneiden Sie Frequenzen nach eigenem Ermessen von 200-2000 Hz ab, da dieser Bereich das größte Clipping-Risiko birgt und für den Charakter des Kicks am wenigsten wichtig ist. 2-10 kHz ist der Bereich, der bestimmt, wie „druckvoll“Ihr Kick ist, und Frequenzpegel in diesem Bereich sind normalerweise eine kreative Entscheidung

Snare – Einer der kniffligsten Sounds zum Entzerren, leicht um 200-400 Hz anheben. Der Bereich 500-1000 Hz hat oft unerwünschte Frequenzen und Sie sollten in diesem Bereich gezielt schneiden. Frequenzen von 2-10 kHz sind am wichtigsten für das „Cracken“oder „Snap“der Snare, experimentieren Sie also mit einer leichten Anhebung bei verschiedenen Frequenzen in diesem Bereich

Sie sollten idealerweise jeden Ton in Ihrem Song entzerren, auch wenn es nur darum geht, unerwünschte Frequenzen abzuschneiden. Es ist immer möglich, dass etwas, das Sie nicht hören, Ihre Instrumente stört!

Sie kennen jetzt die Grundlagen zum Erstellen eines Songs in FL Studio. Viel Erfolg bei Ihren musikalischen Unternehmungen!